Presentación

Perspectiva nº 4:

 

Xavier Navarro

Secretario de Comunicación de la FSC- CCOO Cataluña

 

 

 

Crisis, cultura y políticas públicas, éste es el centro del debate que planteamos en este número de PERSPECTIVA invitando a diferentes agentes que, desde diferentes ámbitos de la cultura puedan reflexionar sobre todo, cada uno desde su perspectiva. Encontraremos artículos de escritores, de una actriz, de una creadora y promotora musical, de un cineasta, de una bibliotecaria, de sindicalistas y concejales.

Abrimos, desde PERSPECTIVA, este debate en un momento importante e interesante desde muchos puntos de vista, y de una especial relevancia para CCOO, inmersa en un importante proceso participativo, sobre qué CCOO debemos configurar para abordar en mejores condiciones los nuevos retos sociales y laborales. Desde PERSPECTIVA entendemos que este número es una importante aportación al debate global del sindicato que se abrió al convocar la Asamblea Sindical Abierta.

Para el sindicato este debate sobre crisis, cultura y políticas públicas, es un debate importante, porque la cultura es algo fundamental para el desarrollo de la clase trabajadora como agente de cambio social.

Lunes, 5 de Octubre de 2015

 

Javier Jiménez

Secretario general de la Federación de Servicios a la Ciudadanía de CCOO

 

 

 

“Definición de Cultura según el Diccionario de la RAE:

2. f. Conjunto de conocimientos que permite a alguien desarrollar su juicio crítico.
3. f. Conjunto de modos de vida y costumbres, conocimientos y grado de desarrollo artístico, científico, industrial, en una época, grupo social, etc.”

Para enmarcar esta reflexión, lo haré partiendo de la segunda y tercera acepción de la palabra cultura recogidas del diccionario de la RAE. Por lo tanto, el marco cultural constituye la forma de vida de una sociedad, y ese marco cultural es el que le da sentido a los modelos económicos, las estructuras sociales y los sistemas políticos que conforman el todo de la sociedad. 

En el espacio de la cultura así entendida, se produce un cambio, una mutación desde la “modernidad” (las personas se mueven por cálculos racionales que se reflejan en el principio de realidad) hacia la “Postmodernidad” (satisfacción del deseo aquí y ahora y su resultado, una sociedad de clientes-consumidores).

Aunque el término postmodernidad en los últimos años esta siendo renombrado, redefinido por otros tales como, ‘Modernidad líquida’ -Bauman- ; ‘Segunda modernidad’ –Ulrich Beck- o ‘Modernidad tardía’ – Giddens-.

En este proceso complejo pero imparable hasta la fecha, la cultura ya no es signo de crecimiento, superación, conocimiento; “la cultura como progreso ha dejado de ser un discurso que habla de mejorar la vida de todos para convertirse en un discurso de supervivencia personal. No pensamos el progreso en el contexto de elevar nuestro estatus, sino en el de evitar el fracaso” por ello “El progreso ha dejado de ser un discurso que habla de mejorar la vida de todos para convertirse en un discurso de supervivencia personal”[1].

Este enfoque hace que la cultura no se conciba como un medio para satisfacer necesidades sino en crear necesidades nuevas y a la vez garantizar la permanente insatisfacción de las que ya están afianzadas.

Y es aquí donde se impone la idea dominante de que las personas están más allá de sus condiciones sociohistóricas y que el resultado de sus actos es de su única responsabilidad.

La gente ya no consume bienes por sus características materiales sino por los significados que cada consumidor extrae de la posesión de la mercancía, así es como la cultura de la postmodernidad ingresa de lleno en la economía.

La desmercantilización de amplios espacios de las economías occidentales, desvinculaba parcialmente el proceso de reproducción y gestión social de la fuerza del trabajo del puro mercado y, con ello, se reconocía el derecho a participar en un cierto grado de redistribución social mediante la vía del uso de bienes públicos.

El trabajo se convierte en la identidad central y convención identificativa de los Estados sociales contemporáneos. El denominado compromiso histórico o contrato social, identificador entre otros del modelo social europeo, por el que el trabajo se convertía en el centro mismo de la codificación de la ciudadanía.

Desde principios de los años ochenta del siglo pasado hemos conocido una constante y progresiva transformación y debilitamiento de las bases sociales antes citadas, así como de los límites de las formas de gobierno de las demandas y derechos de ciudadanía gestionados primordialmente en el marco del Estado social.

El significado de este devenir se construye desde el conservadurismo político y cultural debido, en su opinión, a la sobrecarga e insostenibilidad del Estado social. El pleno empleo deja de ser el marco de la sociedad del trabajo y con la fragilización estructural de la condición laboral, se llega incluso a invisibilizar el trabajo de calidad, estable y con derechos como relación social prioritaria.

El trabajo por tanto queda como un valor secundario y subsidiario que debe adaptarse a la vez que se propicia la sustitución del Estado del bienestar por un ‘Estado del rendimiento’[2] que somete cualquier concepto de ciudadanía a la competencia mercantil y al permanente ajuste de los dictámenes de una economía globalizada.

El mensaje es que todo podría ser una mercancía o, si todavía no lo es, debería ser tratado como tal. Y en ese papel se reorienta la función de los estados, de forma que los gobiernos se orientan más al Management, a la administración de recursos y/o a la eliminación de barreras que impidan la remercantilización de aquellas áreas que constituían pilares básicos del Estado social y se alejan de la política. Cambian el Gobierno por la gobernanza.

Esta pérdida de posición del Estado social desdibujando su forma ‘sólida’ y transformándola en una forma ‘líquida’ como resultado de la cual, a la manera del líquido (de ahí su denominación), ninguna de las etapas de la vida social o de los cimientos que la sustentan, puede mantener su forma durante un tiempo prolongado.

Las fuerzas que impulsan la transformación gradual del papel de lo público y del estado social en su forma líquida son las mismas que contribuyen a liberar a los mercados de reglas y limitaciones.

La economía de la modernidad líquida, orientada al consumo, se basa en el excedente y el rápido envejecimiento de las ofertas. La sociedad se asemeja más a una sección de una gran superficie comercial, con productos que se ofrecen a personas que se han convertido en clientes, generando una segmentación social y personal entre los que pueden pagarlo y quienes intentan pagarlo, ensanchando así la fractura social y el riesgo de exclusión.

Así, en esta vertiginosa aceleración, dada la velocidad de los cambios, la vida consiste en nuevos comienzos, pero también en abruptos finales. Venimos de la cultura de mártires en la antigüedad, la cultura de héroes en la modernidad, para detenernos hoy en la estación de la cultura de las celebridades, en la postmodernidad o modernidad líquida.

Lo efímero cubre toda consideración temporal y todo queda anticuado casi de inmediato. En una economía en la que el cambio es la única constante, cada vez tiene menos sentido tener y cada vez cobra más importancia poder acceder.

El dinero que circula en el flujo financiero no es dinero que participa del sistema productivo, no circula para obtener beneficios de la inversión en la producción de bienes o servicios, sino que circula para obtener ganancias de la propia circulación, convirtiéndose en el elemento de mayor generación de riqueza de la nueva economía.

Se agolpan por actuar donde consideren que se puede obtener en el menor tiempo posible una rentabilidad extrema y cuando consideran que pudiera existir algún peligro (sea este real o incluso provocado) para sus beneficios, abandonan rápidamente dejando tras de sí crisis dramáticas.

La idea hegemónica de cómo interpretar la sociedad actual es una sociedad que se fragmenta interminablemente, una atomización que tiende a convertirla en una sociedad sin ciudadanos, en definitiva en una no-sociedad.

De esa filosofía participan quienes como alternativa al estado actual de cosas, consideran que el Estado debe prestarle al ciudadano todas las posibilidades para readaptarse a las nuevas necesidades del modelo, pero que cada persona debe ser capaz de cuidar de sí misma.

La continuidad de esta reflexión invita a explorar otros campos conexos: formas de representación y alcance de la democracia, sociedad en red y neutralidad de la misma, nuevas fórmulas de representación y construcción de las decisiones o el papel y desarrollo de las tecnologías de la información, la comunicación y los contenidos (TICC).

Si alguien se ha sobrepuesto a la tentación de no terminar la lectura de este artículo y ha llegado hasta aquí, solo una última reflexión. Es imprescindible pensar y no ser pensados. En términos postmodernos proponemos seguir trabajando para crear nuestro propio discurso, en términos modernos tenemos la necesidad de construir pensamiento crítico, inteligencia colectiva.

[1] Zygmunt Bauman ‘La cultura en el mundo de la modernidad líquida’

[2] Luis Enrique Alfonso. ‘El debate sobre la ciudadanía social’

Lunes, 5 de Octubre de 2015

 

Pepe Gálvez

Portavoz de la Federación de Servicios a la Ciudadanía de CCOO Catalunya

 

 

 

El gobierno del PP encabezado, es un decir, por Mariano Rajoy, ha llevado a cabo en el ámbito de la cultura una política de ofensiva regresiva al igual que en los campos de los derechos sociales y del trabajo. Un elemento clave de dicha política han sido las medidas de ahogo económico mediante la conjunción de recortes, en ayudas y en infraestructuras, junto con el incremento del IVA . En este ataque ha habido voluntad de venganza, pero sobre todo ha habido voluntad de limitar al máximo la capacidad de fuego de adversarios y enemigos. Una visión tacticista lógica en una fuerza política que pretende fundamentar sus triunfos políticos en la fidelidad de una minoría y el desinterés de la mayoría. Una apuesta lógica en un partido que no tiene ni ambición  ni capacidad de seducción, sino que sólo aspira a que el imaginario social no desborde los límites de su mediocre ideología.

La vertiente cultural de la  hegemonía  de la derecha gobernante en España y también en Catalunya, en este aspecto PP o CiU apenas se diferencian, tiene la línea común de intentar sintetizar la tradición conservadora con una visión actual de la vida banalizada y homogenizada. Quieren acoplar la levedad insoportable de la inmediatez con el olor a rancio y naftalina de un pasado inventado y del que excluyen la memoria democrática y popular. Ello requiere, por una parte,  acomodar una síntesis entre la promoción y exaltación de esencias nacionalistas y la homogenización impuesta por la globalización de los grandes medios de difusión.  Asimismo han de armonizar valores conservadores, hegemónicos en otra época y arcaicos ahora, con una versión socialmente aséptica de la modernidad. Además como conciben la cultura como arma de dominio, deben oponerse a las potencialidades  de conocimiento que conlleva  el desarrollo científico y la revolución tecnológica. Ello les lleva a la defensa, o tolerancia,  de la irracionalidad,  de dogmas y posiciones claramente  anticientíficas. Al mismo tiempo son claramente refractarios al proceso de democratización que han supuesto los avances tecnológicos,  al permitir no sólo potenciar la difusión masiva de la cultura sino también  la participación creativa.

Su política cultural, claramente reaccionaria, quiere sintetizar la línea elitista y la línea de masas, convencidos de que sólo la primera es cultura de verdad y la segunda maniobra de distracción mediante la diversión, contra más inane intelectualmente mejor.

Así, en paralelo  a la promoción de actos culturales destinados a una minoría, la cultura de masas se ha visto invadida por el concepto espectáculo, tanto en los contenidos del mensaje como en el tratamiento del receptor. En los primeros, el conflicto social desaparece, se potencian las temáticas evasivas,  lo emotivo, la visceralidad. En los segundos el público es tratado como un elemento pasivo que responde a ciertos estímulos,  y por ello es llamado a consumir rápidamente, aplaudir y actuar de comparsas de guiones dirigidos a manipular sus emociones.

Añadamos a todo ello la contaminación de la especulación del ladrillo. Si los teatros fueron un  tiempo la plasmación arquitectónica de la ambición cultural de la burguesía, los palacios de la opera con goteras, las bibliotecas inmensas sin libros, los museos sin contenido… son la imagen antitética de la creación, de la ausencia de planificación cultural y del dominio social del capital especulativo y parasitario.  Ese que tan bien reflejan Crematorio y En la Orilla de Rafael Chirbes, obras que demuestran la pervivencia de una cultura popular crítica en la literatura social, especialmente en la novela negra, en el humor gráfico, en la poesía, en el teatro que se refugia en pisos particulares para sobrevivir, en el rap, el flamenco, la canción, los documentales la historieta reportaje,  las bibliotecas, las librerías de proximidad, las asociaciones culturales… los sujetos activos de una cultura popular que ha resistido los embates de la caspa y que es el embrión de un cambio también  necesario en el campo de las ideas, la sensualidad y la diversión.

Lunes, 5 de Octubre de 2015

 

 

Paco Rodríguez de Lecea

Escritor i Ex secretario de Organización de CCOO Catalunya

 

 

 

1. Trabajo, cultura y libertad

Cuando vivíamos en este país sometidos a la dictadura de Franco, y un telón de acero separaba el llamado “mundo libre” del llamado “socialismo real”, el Partido Comunista de España difundió en un manifiesto-programa la propuesta de una alianza estratégica de las «fuerzas del trabajo y de la cultura». Nada más oportuno. En el imaginario de las fuerzas de progreso, trabajo y cultura siempre han estado unidos de forma indisoluble, siempre han caminado en la misma dirección.

No se trata de un hecho evidente, sin embargo. Hay una corriente de fondo conservadora, que arranca de la Roma del imperio y seguramente tiene raíces incluso más antiguas, según la cual el trabajo embrutece y la cultura redime. Para esta forma de pensar, la cultura nace del ocio, es una especie de lujo añadido a vidas humanas liberadas de la servidumbre del trabajo. Así se acuñó como ideal de vida el ocio “inteligente”, otium cum dignitate.

Cuando desde una perspectiva de izquierda hablamos de cultura, no pensamos en un entretenimiento ocioso sino en una forma de conocimiento superior, el poso fértil depositado por el trabajo incesante de muchas generaciones: la ciencia, la comprensión del mundo, las técnicas para transformarlo.

En ese sentido, trabajo y cultura son dos conceptos que se complementan y se necesitan recíprocamente: no hay cultura sin trabajo, no hay trabajo sin cultura.

La coincidencia de los dos representa un ideal de vida. Un hermoso texto de Karl Marx describe lo que sería una sociedad sin propiedad privada, ni clases sociales, ni Estado, en la que el trabajo no iría ligado a una especialidad ni a un salario, y la cultura no respondería a una ideología de dominación: «Cualquiera puede realizarse en una rama que él desea, la sociedad regula la producción general y en consecuencia hace posible para mí hacer una cosa hoy y otra mañana, cazar en la madrugada, pescar en la tarde, criar ganado al anochecer, hacer teoría crítica tras la cena, exactamente como mi mente decida, sin llegar a ser nunca cazador, marinero, pastor o crítico.»

Llamémoslo utopía, pero no lo descartemos de entrada. Lo que se describe en ese texto es un vértice, un punto en el cual coinciden y se armonizan trabajo, cultura y libertad, de modo que la humanidad se reencuentra y se reconcilia consigo misma en la plenitud de sus potencialidades, sin servidumbre de ningún tipo, sin explotación.

2. Reivindicación de la cultura

Lo cierto, de regreso ya de la utopía, es que el mundo del trabajo y el de la cultura han vivido un largo proceso de extrañamiento en las sociedades tecnológicamente avanzadas. Buena parte de culpa la tuvo el ingeniero F. W. Taylor (1856-1915), cuya propuesta de una “organización científica del trabajo” hizo fortuna hasta el punto de ser considerada, tanto desde la derecha como desde la izquierda, como un planteamiento “objetivo” y “neutral” superador de los conflictos en el terreno de las relaciones laborales.

El punto de partida de Taylor fue la superación de la falta de eficiencia que observaba en la organización del trabajo en la fábrica: herramientas inadecuadas o mala utilización de las mismas, tiempos muertos, mala sincronización de tareas, etc. Para remediar estos defectos, propuso la realización de estudios científicos de las máquinas, los métodos y los tiempos. En el nuevo esquema, el obrero debía adaptarse a las indicaciones de los técnicos responsables, pero también algo más: desaprender lo que su experiencia le había enseñado, por estar dicha experiencia viciada de origen. El cerebro del obrero tenía que ser una “tabla rasa” que retuviera únicamente los métodos inculcados por el estamento técnico para mejorar la producción. Las preocupaciones de otro tipo (familiares, religiosas, culturales, políticas) eran sólo estorbos para el buen funcionamiento del sistema. Taylor sostuvo que un obrero manual nunca alcanzaría la eficacia que era capaz de desplegar un mono amaestrado.

Probablemente nunca se llegó en ninguna fábrica del mundo al extremo imaginado por el ingeniero. Se trata de otra utopía, simétrica y contradictoria a la formulada por Marx: un trabajo abstracto, absolutamente deshumanizado. Pero el enorme impulso dado por el maquinismo a la producción masiva de bienes colocó sus teorías en un pedestal del que difícilmente podía apeárselas. Más riqueza, susceptible de una distribución mejor, y por tanto de mejores salarios. En la recién nacida Unión Soviética, un Lenin preocupado por el atraso tecnológico del país creyó adecuado implantar las concepciones de Taylor como motor de una industrialización acelerada, y sustituyó el “cerebro vacío” del obrero taylorista por una construcción ideológica basada en el sacrificio personal en aras de un bien colectivo, con gratificación aplazada hasta un porvenir radiante.

Pero el mal es el mismo en los dos contextos: el trabajador es “vaciado” de sus saberes y extrañado de su trabajo hasta el punto de perder, en cierto modo, su condición humana: es un ser demediado, un mecanismo engranado en una rutina productiva organizada al milímetro y al segundo. Su vida laboral ha dejado de pertenecerle. Sólo puede considerar vida propia la que se desarrolla fuera del puesto de trabajo.

Bruno Trentin, que fue secretario general de la FIOM y de la CGIL italianas, ha sido seguramente el crítico más consecuente y tenaz, en nuestros días, de ese desgarramiento íntimo entre el mundo del trabajo y de la cultura, entre la vida laboral y la vida personal. En un libro fundamental para otear las perspectivas de nuestro tiempo, La ciudad del trabajo (hay traducción castellana de José Luis López Bulla que puede consultarse online o bien en papel, en edición de la Fundación Primero de Mayo), Trentin reivindica con fuerza la reinserción de la cultura en el pluriverso del trabajo y, en paralelo, la necesidad de la extensión de la democracia a todo el sistema de las relaciones laborales, en el que rige hasta el momento de forma indiscutida el principio de la subordinación.

Hay una oportunidad, sostiene Trentin, de cambiar para mejor la condición trabajadora con la sustitución del modelo fabril fordista por un nuevo paradigma productivo basado en las nuevas y potentes tecnologías de la información y las comunicaciones. La conexión entre cultura y trabajo no es hoy un resultado deseable pero prescindible en último término, sino una exigencia creciente en un contexto que reclama del trabajador mayor criterio, más iniciativa, y más flexibilidad y polivalencia. Sin embargo, la respuesta que se está dando desde los estamentos empresariales no va por ese camino, sino por el de acentuar la taylorización también de los técnicos a medida que continúa el desguace de la fábrica fordista.

3. Qué cultura

¿A qué cultura en el trabajo se está refiriendo Trentin? No a la erudición, ni a una cultura de salón, sino a la conciencia por parte del trabajador de lo que está haciendo, de la finalidad última de su actividad, de las correlaciones y repercusiones que tiene, y en definitiva del lugar y la dignidad que le corresponden en el mundo. Cultura en primer lugar como conocimiento y como técnica; pero no sólo eso, porque el hombre es poliédrico y no unidimensional, y por tanto ha de desarrollarse en direcciones diversas. Una iniciativa que Trentin nunca pudo concretar fue el establecimiento por ley de un crédito de 150 horas anuales a cada trabajador para finalidades personales de formación. No necesariamente formación técnica; su idea era dar libertad completa para desarrollar las propias cualidades. «Si un obrero quiere tocar el violonchelo, ¡adelante con el violonchelo!»

Plantea Trentin como objetivo una cultura y una educación libre y democrática, concebida para las personas. Las diferencias con lo que se estila por estas latitudes pueden apreciarse con facilidad en el siguiente texto del Anteproyecto de la LOCME (2012), texto que fue finalmente suprimido sin dejar por ello de ser el norte de determinadas políticas públicas: «La educación es el motor que promueve la competitividad de la economía y las cotas de prosperidad de un país; su nivel educativo determina su capacidad para competir con éxito en la arena internacional y de afrontar los desafíos que se planteen en el futuro. Mejorar el nivel de los ciudadanos en el ámbito educativo supone abrirles las puertas a trabajos de alta cualificación, lo que representa una apuesta por el crecimiento económico y por conseguir ventajas competitivas en el mercado global.»

Elitismo, clasismo, subordinación de las personas a las conveniencias de la macroeconomía. Las elevadas tasas del IVA a los productos culturales, el desprecio por el pensamiento libre y el amordazamiento de las posturas críticas completan la  nefasta política cultural promovida por el actual gobierno. La reivindicación de instrumentos que promuevan y faciliten el florecimiento de una cultura de signo distinto, libre, democrática y crítica, es por consiguiente indispensable para el progreso de una alternativa eficaz a la política actual.

La cultura está hoy en la línea del frente de batalla de la política. Parafraseando a Gabriel Celaya, es un arma cargada de futuro.

Lunes, 5 de Octubre de 2015

 

Albert Solé

Cineasta

 

 

 

Nadie ha definido la crisis actual de la cultura de una manera tan sencilla como un vecino de mi escalera, un anciano sabio cargado de memoria: “no quieren que pensemos”, me dijo, y posiblemente tiene toda la razón.

Detrás de la desinversión pública en políticas culturales, detrás del vaciado sistemático de la palabra cultura se esconde una intención poco disimulada de hacer que la sociedad civil pierda capacidad de cuestionamiento y de discusión, de convertir en suma al ciudadano discrepante en votante acrítico.

La cultura sirve ante todo para mantener la salud democrática de una sociedad y ahora que empezamos a tener una visión de conjunto del paisaje después de la batalla, ahora que empezamos a hacer recuento de las muchas bajas producidas por la gran ofensiva del neocapitalismo sin límites ni fronteras,  nos encontramos con que entre las victimas también están muchos de los creadores y pensadores que ayudaron a mantener viva la conciencia durante las últimas décadas.

Es tarde ya para lamentarse: músicos, cineastas, pintores, escritores, actores, artistas de todas las disciplinas, reconocidos y llenos de talento, creadores que consiguieron armar un cuerpo de resistencia intelectual durante los años de plomo y que conformaron el espejo en que distintas generaciones se miraron durante tantos años, yacen ahora en la cuneta intentando entender la magnitud del desastre. El desierto actual seguramente empezó a larvarse bastante antes del estallido de la crisis, cuando pensábamos que todo el monte era orégano y cuando maquillábamos con cifras lo que posiblemente eran ya políticas culturales erróneas.

Así, las administraciones públicas de todo pelaje se lanzaron a la creación de grandes infraestructuras, contenedores de lujo para los que no había suficientes contenidos y que se comieron una parte importante de los recursos. Museos de arte contemporáneos, grandes centros culturales, bibliotecas mastodónticas que nos deslumbraron y nos impidieron ver que estábamos mezclando cultura con espectáculo, y que los índices de venta de libros o de consumo cultural maquillaban la imparable concentración de la creación en pocas manos, las de grandes grupos mediáticos mayoritariamente extranjeros:  comprábamos muchos libros, sí, pero de pocos autores, íbamos al cine, pero todos a ver las mismas películas (normalmente americanas), hacíamos largas colas, pero siempre ante las mismas exposiciones.  Fue el comienzo del fenómeno imparable de las burbujas culturales: la pérdida de referentes intelectuales nos abocó al seguidismo cultural: todos a una, y la pluralidad y la complejidad se fueron al garete.

Fallaron las estrategias y los índices de medición de la calidad cultural.  Los recortes dejaron la inversión en cultura en un exiguo 1% del PIB cuando lo normal en países desarrollados es un 5%. La crisis, Internet y la inseguridad en el futuro llevaron a la reducción drástica del gasto cultural en las familias y al empobrecimiento radical de las llamadas industrias culturales (de hecho artesanos culturales en su inmensa mayoría), que ahora se mueven en el centro de una tormenta perfecta y no tienen otra que llamar a la puerta de las grandes multinacionales del entretenimiento para intentar sobrevivir.

Y así, dejamos a las generaciones futuras un triste panorama dirigido por empresas norteamericanas, como ya sucede en casi todas los países latinoamericanos. Hace 10 años nadie celebraba Halloween. Ahora, para los más jóvenes es una cita casi tan importante como la navidad o los carnavales: esto es la colonización cultural inexorable, la que arrastra consigo un cargamento de valores que modifican nuestra manera de ver la vida, de formarnos como ciudadanos.

Hasta aquí, las quejas y los lamentos.

Las nuevas formas de acción política y las nuevas tecnologías abren también un sinfín de nuevas posibilidades para la cultura: las cooperativas, las fábricas de creación, la producción en red, etc, son formas que de momento ya no permiten vivir de la creación, pero que irán abriéndose camino y creando una nueva pedagogía social, unas dinámicas más participativas y democráticas.  Es necesario que las administraciones, y sobre todo las locales, que son las que mejor conocen los focos de creación activos inviertan sus recursos en la gestión y el fomento del talento, en promover os intercambios, en facilitar herramientas de producción.

Es necesario que los gobiernos lleven la cultura a la escuela para acabar con el analfabetismo cultural, para hacer pedagogía acerca de la piratería, para fortalecer el binomio entre cultura y conocimiento. Finalmente, es necesario mantener herramientas de protección de los creadores, para garantizar la pluralidad de la oferta, la cultura de masas pero también la minoritaria, la que es capaz de provocar el cuestionamiento permanente de las verdades establecidas. No podemos dejar el espacio cultural en manos exclusivamente privadas. La cultura es parte esencial de lo público. Hay formas de creación que nunca encontrarán su acomodo en el mercado.

La cultura también es creadora neta de riqueza como han demostrado los franceses,  con una inversión que multiplica por 10 la española. Ellos son quienes mejor han resistido la colonización cultural anglosajona, su marca y su influencia no han perdido valor.

En definitiva, si miramos la inversión en cultura a lo largo de varias décadas y la manera de gestionarla, entendemos la vigencia de aquella frase que pronunció un científico norteamericano: “si el conocimiento le parece caro, pruebe vd. con la ignorancia”.

Lunes, 5 de Octubre de 2015

 

Isàvena Oppiso

Bibliotecaria

 

 

 

Este año el mundo bibliotecario celebra que hace cien  se dio un cambio de paradigma. En 1915 la Mancomunidad de Cataluña, fruto de la reflexión sobre cómo debía ser el sistema bibliotecario catalán, creó una red de bibliotecas con secciones diferenciadas para adultos y niños, y que apostaba por el préstamo de obras.

Este centenario coincide con un momento en el cual el sector también se está planteando cuál debe ser su función y los servicios que tiene que ofrecer. La aparición de internet y sus motores de búsqueda, y de webs de descarga de libros electrónicos hace que sea necesario replantear el servicio de la biblioteca como lugar de búsqueda de información y la necesaria incorporación de nuevos formatos en el préstamo de obras.

La reflexión conceptual se está llevando a cabo al mismo tiempo que el sistema bibliotecario recibe las consecuencias de la política de recortes: el presupuesto destinado para las diferentes administraciones públicas ha sido drásticamente reducido, lo que ha afectado principalmente a la adquisición de documentos. La idoneidad del fondo de las bibliotecas no es una cuestión sólo de la cantidad de obras que disponen sino que también pasa por una cuestión cualitativa: las bibliotecas deben estar dotadas del material apropiado para responder a las necesidades de la diversidad de usuarios y eso pasa por la revisión del fondo e, indiscutiblemente, por la adquisición de documentos que respondan a los objetivos de la biblioteca. Si una de las finalidades es que el personal de las bibliotecas haga la función de prescriptores literarios y culturales que faciliten el contacto entre contenidos y personas, y con el territorio en el que se ha decidido vivir, las bibliotecas deben estar dotadas de un fondo adecuado y renovado de manera sistemática, y para que puedan adquirir documentos deben tener presupuesto para hacerlo.

No sólo el fondo sino también los servicios deben adaptarse a las necesidades reales de los usuarios, por eso, ahora más que nunca hay que focalizar los objetivos para hacer frente a la situación de emergencia social, y deben actuar como espacios culturales, educativos, de promoción de la lectura y de cohesión social, teniendo así finalidades mucho más amplias que el de ser centros donde se facilite el acceso a documentos. Son numerosas las bibliotecas que están efectuando buenas prácticas en este aspecto, analizando y ofreciendo alternativas a realidades sociales de su territorio, pero se necesitan políticas globales para que la función social se lleve a cabo de manera sistemática, organizada y a lo largo de todo el territorio.

Las secciones infantiles de numerosas bibliotecas públicas están llevando hacia políticas para paliar las deficiencias de las bibliotecas escolares, las más olvidadas del sistema bibliotecario catalán. Las bibliotecas escolares deben cumplir una función básica del desarrollo y adquisición del conocimiento de los niños así como de fomento de la lectura, con la característica de que están situadas, física y organizativamente, dentro de las escuelas. Las campañas de promoción de la lectura en la infancia serían mucho más eficientes si las escuelas estuvieran dotadas de bibliotecas con buenos equipamientos, fondo documental y personal competente.

Durante los últimos años se ha priorizado, también presupuestariamente, la construcción y adecuación de edificios, unas obras a menudo necesarias pero que su utilidad puede llegar a ser dudosa si no los edificamos con una reflexión sobre cuál debe ser su función.

A menudo la noticia de que las administraciones competentes nos hacen llegar sobre las bibliotecas es que son el servicio cultural mejor valorado en la sociedad, y que un 48% de la población tiene el carné. Para lograr que las bibliotecas generen un valor social añadido, deben situarse dentro de la agenda política local y gubernamental, valorar indicadores no cuantitativos, ejecutar políticas, estrategias y objetivos para hacer frente a la demanda de los usuarios en su pluralidad, y dotarlas de recursos económicos suficientes para poder ejecutar su función, ya que si no nos arriesgamos a tener mucha población con un carné de un servicio que no responde a sus necesidades.

Lunes, 5 de Octubre de 2015

«Sin música, la vida sería un error»

 

Eva Sanabria

Promotora musical y diseñadora gráfica

 

 

 

La cita corresponde a Friedrich Nietzsche y, para muchos apasionados como yo, es una máxima en nuestras vidas. Procuro ir a dos o tres conciertos todas las semanas, reseño discos en una publicación digital, hago fotos de directos, toco en una banda y, en ocasiones, organizo conciertos. Sin entrar en valoraciones acerca de mi talento —que es mucho—, la mayor parte de estas actividades las realizo más como aficiones que de forma profesional, puesto que las políticas culturales actuales están dejando a este nivel la cultura en general y la música en particular.

Veamos algunos ejemplos prácticos: a pequeña escala, organizar un concierto de un grupo emergente para 80-100 personas apenas reporta beneficios, cuando no pérdidas. Si ponemos la entrada a 5 euros y tenemos la suerte de congregar a 100 personas, obtenemos 500 euros. De estos 500 euros hay que restar el IVA —21%— y el canon de la SGAE —10%— y nos quedan 345 euros. Con esta cantidad hay que pagar a la sala. Pongamos que hemos llegado a un buen acuerdo con ellos y nos dejan en 150 euros el alquiler + IVA (el ya famoso 21%). ¿Le llenas la sala y tienes que pagar? Sí, ellos ponen el espacio, el técnico de sonido, la seguridad, camareros, etc.

Tenemos ya la friolera de 163,5 euros de beneficio. Pongamos que el grupo es de la ciudad y tiene la gran suerte de tener un amigo con furgoneta —benditos amigos con furgo— que va hasta el local de ensayo, les ayuda a cargar los instrumentos y al finalizar el concierto los lleva de nuevo al local. ¿Qué menos que pagarle 50 euros por gasolina, parking y molestias? Si no, habrá que alquilar una furgoneta, o pagar taxis, o coches más parking… Algunas salas te dan la posibilidad de alquilar parte del equipo, pero solo la batería suelen ser unos 50 euros, y vamos por 113,5 euros.

Las pruebas de sonido son sobre las seis o siete de la tarde. Hay que montar, probar y hacer tiempo hasta la actuación. ¿Cómo? Cenando (ya ves, estos músicos que quieren comer y todo). Imaginemos un grupo de cuatro personas, 10 euros por cada una de esas barbas de hipsters que se gastan… Nos quedan 73,5 euros. Si divides 73,5 euros entre los cuatro te quedan 18,3 euros para cada uno. Ah, pero ¿solo tocaba un grupo esta noche? Pues no, lo habitual es que toquen dos o incluso tres grupos para que al menos se aseguren la presencia de sus amigos y compartir los gastos de la sala. Pues ya no salen las cuentas (furgoneta, cenas…). Cobremos entonces las entradas más caras. Claro ¡cómo no se le habrá ocurrido a la industria! ¿Qué ocurre entonces? que la gente no va, así de simple. Ser promotor de este tipo de conciertos es tremendamente complicado y no se obtienen beneficios, lo que deja a las bandas un poco a su suerte y sin un paraguas bajo el que cobijarse.

¿Qué ocurre entonces con los conciertos de grandes artistas? Pues algo similar. Es triste pero desde el ivazo cultural las grandes estrellas han borrado a España de sus giras, como ya han hecho Prince o Metallica. O tienen que limitar sus actuaciones como Bruce Springsteen o Beyoncé, o poner precios totalmente desorbitados, lo que no agrada a los artistas y hace que la cultura sea sólo para unos pocos que pueden pagarla, o que se convierta en algo anecdótico. A esos precios apenas te puedes permitir un concierto al año.

Pero, ¿al menos estamos ganando en impuestos? Obviamente no. Si las grandes estrellas limitan mucho su paso por España o directamente no vienen, no se recauda. Si las bandas emergentes y las salas pierden dinero con sus conciertos, o bien no los dan o se hace todo en negro.

¿Qué sentido tiene entonces el IVA al 21%? Ninguno, más allá de ser un claro castigo al mundo de la cultura por sus apoyos a políticas más progresistas. Entonces, ¿todo se arreglará con un nuevo Gobierno que cambie y mejore esas políticas culturales? Quizá, pero ¿y todo lo que se ha perdido estos años? Miles de empleos, salas cerradas, desprofesionalización del sector… La gente no va a volver a las salas a consumir música de la noche a la mañana porque vayan a bajar el IVA. El sector va a necesitar ayudas para paliar los estragos que estas políticas tan perniciosas han tenido durante estos cuatro años. La solución, que no va a ser sencilla, pasa por reunir a todos los actores de este triste drama: músicos, salas, promotores, discográficas y políticos, y lograr consensuar soluciones que le devuelvan la dignidad y la competitividad a un sector maltratado. Es urgente que se haga y se haga bien.

Lunes, 5 de Octubre de 2015

 

Francesc Pané  

Escritor

 

 

 

Los cabecillas atenienses, cuando ya tuvieron suficiente, enviaron a Sócrates al otro mundo. Pero, ¿de qué estaban hartos, los mandones atenienses? El rumor dice que el sabio “pervertía”  a los jóvenes con sus preguntas sin mucha respuesta. ¿Y en qué pervertía, Sócrates, a aquellos jóvenes atenienses? Una revisión de sus diálogos, transcritos por Platón, no da una respuesta clara (o definitiva) a la pregunta. No, al menos, a los ojos modernos. El caso es que, al parecer, Sócrates seducía a los nobles jóvenes atenienses con platos rebosantes de interrogantes: un manjar indigesto, sin duda. Pero ya se sabe que la juventud debe probarlo todo.

Los cabecillas atenienses no eran tontos. Sabían que somos lo que comemos. Robustecidos por la “escudella”, sus jóvenes hijos podían poner en cuestión asuntos de mucho rigor; preguntarse -aunque fuera por deporte- sobre el estado de cosas que los dioses olímpicos habían establecido desde el inicio de los tiempos y que habían depositado en manos de sus padres; asuntos de los que ellos serían herederos, días a venir.

En Grecia -como en ninguna parte del mundo conocido, de hecho- nadie ignoraba que los dioses se complacían con los cabecillas, a los que -en consecuencia- habían concedido el alimento de los signos de admiración o de exclamación: espadas pulidas de la verdad y del orden. Orden y verdad (¡desde siempre y siempre tan juntos!) Son consecuencia y causa -causa y consecuencia- de la gracia sagrada. No hay duda posible, al respecto. Dicho de otra forma: los interrogantes, que son babosos como los caracoles, provocan dolores de vientre. Sócrates sufría muchos. Y no era cuestión de que los acabaran también sufriendo, por su culpa y debido a la curiosidad natural de la juventud, los hijos de la nobleza.

A los cabecillas atenienses alguien les informó que la cicuta es un remedio definitivo contra los espasmos intestinales. Los cura y evita las ganas de comer nunca más “escudella” de interrogantes.

Pero la muerte de Sócrates no evitó, en el futuro, la seducción de los platos de interrogantes. Ni la cicuta consiguiente, claro. Hasta que se descubrieron las propiedades más amables y menos drásticas del bicarbonato. Éste, vino con la democracia parlamentaria. La “escudella” de interrogantes ya podía ser tolerada aunque fuera consumida en público.

En la modernidad, dioses y cabecillas se nos han convertido en mandamases demócratas de toda la vida. Saben que la democracia puede convertir en frívolas las preguntas más agudas. Y saben que la paz social las aguanta bien, con dosis de NaHCO3. Ellos  -por si acaso- siguen comiendo signos de admiración o de exclamación. Y es que los mandamases no son bobos. No lo han sido nunca, según sabemos.

La versión edulcorada del bicarbonato de sodio, que son las sales de fruta, puede universalizarse si hay excedentes. De hecho, son la más clara transformación de los excedentes. Y la más barata, también. Que el personal se harta de pasteles de interrogantes no provocará ninguna pandemia. Y mientras tanto, los suculentos y exclusivos signos de admiración y de exclamación se servirán -como siempre- en la mesa de los elegidos. Hasta se puede permitir poner -convenientemente tratados con edulcorantes- unos pocos paquetes en los mercados de gourmet; a precios altos, naturalmente. Los signos de admiración satisfacen el hambre de vanidad tan natural entre los muchos que se niegan a comer interrogantes y se alimentan a diario de puntos suspensivos, bastante más digeribles y perfumados de petulancia.

Sin embargo, no siempre es tiempo de vacas gordas. De repente, se derrumba la boca de la mina y se termina la extracción. Pasada la abundancia, las “escudellas” de interrogantes sin remedio bicarbonatados, vuelven a imperar en las casas y en los estómagos.

Cuando llega esta segunda parte del sueño del faraón, las palabras que producen los interrogantes mal digeridos pueden ser duras como las piedras; unas piedras que no construirían pirámides ni templos, pero que hacen ojales en la cabeza. Estas piedras salen de la boca y proclaman un secreto no muy secreto: el faraón no es un dios y sus silos derraman signos de admiración y de exclamación, fruto de los tributos o de la rapiña en tiempos de bonanza. Las palabras-piedra también dicen que estos bienes son del pueblo. Entonces el faraón debe mostrarse indulgente y generoso: entreabrirá las despensas y repartirá un poco de manduca divina. La crisis se ha llevado los excedentes. Pero quien más o quien menos, puede saborear una rebanada de signos de admiración y de exclamación de tarde en tarde. Y siempre habrá recursos para el circo: la diversión distrae. Quizá Sócrates, poco dado a la juerga, preguntaba dónde y cómo era la despensa del Olimpo ateniense…

Tengo la certeza que la humanidad ha avanzado gracias a los excedentes controlados, ésos que han hecho posible la presencia de sales de fruta en todas las cocinas y, en algunas, los signos de admiración y de exclamación: sin grasas, bajos en calorías y edulcorados con estevia natural.

Hasta que llegan las políticas públicas contemporáneas. Democráticas, naturalmente. Con o sin excedentes, la redistribución es ley contra el malestar: distribuir suficiente si hay muchos excedentes, y menos si escasean. Eso sí: ¡la redistribución debe atender tantas necesidades en los tiempos modernos! ¡Tantos aspectos de la vida diaria de la comunidad! Y todavía hay que contar con ahorrar. Y que también de los pocos o muchos recursos, debe quedar un grosor para la acumulación… por si las cosas empeoran, claro. El pensamiento, pues, se retrae; amedrenta. Todo el mundo lo comprende: las vacas se han adelgazado.

Pero incluso en recesión, sin los interrogantes -sin la cultura, quiero decir: ya nos entendemos- las naciones disminuyen, empequeñecen, se pierden, corren el riesgo de ser asimiladas. Y con ellas, aquellos que las dirigen política y económicamente. ¿Volverán los platos de interrogantes?

La cultura, en tiempos de mala suerte, es (sobre todo si no viene avalada, dirigida, asentida por los que saben la verdad y conservan el orden) muy incómoda. Puede ser nociva y todo.

En días de escasez económica (en nuestro país, siempre es también crisis social), el hedor de col hervida de la olla de interrogantes se extiende por todas partes. Hay gritos de los creadores en los certámenes y premios; preguntas y gritos se esparcen por los medios de divulgación, en las revistas inteligentes, en los libros publicados, en los escenarios del teatro y de la música… Tantos interrogantes conforman un flujo demasiado nervioso, demasiado inquieto. Y las respuestas ensayadas montan alternativas que se difunden en exceso; un montón indigesto de producción que se empeña en cambiar la verdad y a disponer un orden nuevo. La criatura se empeña en no aceptar la recesión y a negar que el endurecimiento sea el remedio, mientras la despensa de los cabecillas siga lleno. La criatura puede terminar negando que la democracia representativa y el sistema económico que la sustenta sean un regalo suficiente de libertad. Siempre es así: los espasmos intestinales más críticos aparecen justo cuando hay menos excedentes de signos de admiración y de exclamación a repartir y la gente engulle más “escudella” de interrogantes.

Pero los mandamases saben que el bicarbonato es barato, asequible y bastante inocente. Es la vieja receta conservada en la memoria viva para aquellos que comen puntos suspensivos. Esto es: más IVA a los interrogantes, seccionamiento de recursos públicos para su distribución, desinversión en infraestructuras culinarias de la “escudella” de preguntas, difusión masiva de materiales de distracción: repostería nacional de grasas vanidosos y margarina vegetal televisiva… Y una clara ruptura del flujo económico para la educación, la investigación y la innovación, no sea que.

Y no digas nada, que bastante es mejor un culo de agua bicarbonatada que un trago de cicuta servida en cáliz de plata. Sócrates no lo podía saber. Y, además, era un extremista travestido de tontos. ¡Se lo merecía!

Lunes, 5 de Octubre de 2015

 

 

Maite Ojer y Blasi

Directora y pedagoga escénica

 

 

Hoy empiezo una colección. Sí, voy a intentar recoger un compendio de argumentos generados a nivel mundial según los cuales las mujeres deberíamos estar en casa, en un espacio privado. Sé que encontraré de todo tipo: religiosos, estéticos, económicos, culturales, de buenas maneras, lingüísticos, anatómicos, astronómicos, sobrenaturales y, tal vez, incluso de paz mundial …La cosa es extensa, lo sé.

Necesito, por lo menos, intentar averiguar si hay alguna base razonable detrás de posturas de consecuencias, estas sí, poco pronunciadas y enormes.

Ahora es la CRISIS que parece que pide nuestro sacrificio… dejadme pensar…

Pasada la dictadura franquista y el decreto del año 41 según el cual se prohibía que las mujeres ocuparan el espacio escénico, en los años 80-90 del siglo XX las mujeres se fueron incorporando al mundo del teatro en España. En Cataluña será el XII Festival Internacional de Teatro de Sitges, celebrado en 1979, lo que marcará un punto de inflexión importante. Este certamen se convierte en la plataforma a partir de la cual nace la Asociación Teatro-Mujer que impulsa la recuperación de la genealogía de las mujeres de teatro y emprende planes de investigación, además de crear el premio Casandra al mejor texto escrito por una mujer en cualquier lengua del Estado Español y el premio Lisístrata a la mejor producción feminista del año 1980 al 1983. Esta asociación se convierte en un motor que dará el impulso necesario para un futuro más dinámico que posibilitará la promoción de dramaturgas y directoras como Rosa Victòria Gras, Rosa Fabregat o la propia Lluïsa Cunillé (dramaturga catalana galardonada con los premios más prestigiosos, entre ellos el Premio Born 2010) y preparará el terreno para el nacimiento de otros colectivos como les Metadones dirigido por Magda Puyo , Teatro de les Soràmbules con Sara Molina, la Marías Guerreras en Madrid o Proyecto VACA y su festival Novembre Vaca en Barcelona conectado con Magdalena’s Project, que nace en Cardiff en 1986 como festival bianual itinerante con temática de género.

Los antecedentes, prácticamente desdibujado el recuerdo de las miradas de vanguardia de la Segunda República, los había escrito la dictadura: Artes escénicas de sala con presencia de estereotipos con mucha carga de misoginia según los cuales las mujeres, dentro y fuera del espacio escénico y creativo, eran tuteladas por hombres, ya fueran familiares o compañeros de trabajo. La idea de la feminidad pasaba por la subordinación y la tarea fundamental de los “papeles femeninos” a las producciones teatrales era permitir la evolución de los personajes masculinos.

La finalización de la dictadura tiene un impacto inmediato en el mundo cultural del Estado que incluye una gran presencia de las mujeres en las artes escénicas gracias a la eclosión de las Artes Vivas de Calle. Las creadoras y creadores apuestan por la generación de nuevos personajes que no responden a ningún modelo preestablecido y propician la presencia absoluta del cuerpo de las mujeres dentro de los espacios escénicos de calle. Paralelamente las mujeres recuperan puestos perdidos en la gestión, dirección y creación. Las mujeres dejan de ser tuteladas por hombres y tienen identidad propia. Parecía que la evolución del ideario, sobre el cual se construye la definición simbólica del modelo femenino normalizado, era cierta y corría hacia posicionamientos que permitían a las mujeres ser sujetos activos. Eran artes escénicas no textuales o con muy poco protagonismo de la palabra, con estructuras muy parecidas a las celebraciones paganas prereligiosas. La ciudadanía volvía a ocupar la calle y las mujeres formaban parte de esta realidad de una manera natural y reconocida, respondiendo a la demanda de movimientos como el feminista que iban impregnando la realidad de ideas nuevas y necesarias.

La década de los años 90 del siglo XX, especialmente en 1992, se convierte en un punto de inflexión. El éxito de los Juegos Olímpicos celebrados en Barcelona supone una externacionalización de la ciudad y de Cataluña sin precedentes. Con la voluntad de aprovechar el empuje mediático que supuso la cita deportiva, el Gobierno Catalán busca maneras de exportar sus producciones y dar salida a las instalaciones generadas en Barcelona. Las producciones culturales se convierten en un posible patrimonio generador de turismo de calidad y de presentación de Cataluña en el mundo. Era necesario, pues, profesionalizar el sector en busca de una excelencia cultural para la nación. La acción de la administración catalana se centrará, en un primer momento, en la estructuración organizativa del tejido creativo. El Gobierno catalán apuesta por generar lo que se llamó Industria Cultural, con la intención clara de hacer que las compañías en artes escénicas apostaran por la rentabilidad económica a partir de los bienes intangibles que deberían ser valorados, incluso por la banca, y que se convertirían, sin lugar a dudas, avales empresariales de primer orden. Lo que era necesario, con el fin de lograrlo, era crear una manera de hacer al estilo emprendedor de la sociedad catalana con una marca inequívoca que abanderaban compañías ya consolidadas y que habían de convertirse en puntos de referencia para el resto. A cambio, la administración desplegaba un mapa de subvenciones, de circuitos de programación y de revalorización de la figura de los festivales como lugar de mercadeo de las producciones artísticas. Esta estrategia empresarial culmina en 2000 con la creación del Instituto de Industrias Culturales (ICIC) dependiente del Departament de Cultura de la Generalitat (en 2011 pasará a llamarse Instituto de las Empresas Culturales, ICEC) que se encarga de tutelar la transformación empresarial de las compañías de artes escénicas catalanas. En 2009 nace el CoNCA, es decir, el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.

Así las cosas la organización jerarquizada impone como si fuera un modelo único del concepto empresarial.

Pasados ​​los años, los referentes culturales hicieron ERES, la marca fue conocida como el “catalán kitsch”⌈1⌋ y, las mujeres desaparecieron del panorama profesional para pasar al registro amateur… pero, claro, eso aún no lo sabíamos… ¿o quizás sí?

El siglo XXI comenzó con el mantenimiento y consolidación de las recién nacidas Industrias Culturales. La presencia y aportaciones de las mujeres fueron muy importantes. Las artistas iban ocupando nuevos lugares en el mundo creativo y de la gestión. Inesperadamente, las nuevas maneras en la organización empresarial llevaban sorpresa y, como quien no quiere la cosa, aparece en escena la división de tareas atendiendo al sexo. Y, de nuevo, las mujeres empiezan a tener problemas para conciliar la vida laboral y la personal.

La falta de personajes femeninos en las obras teatrales persiste y empeora la situación. Los espectáculos de sala seguían reproduciendo, en su mayoría, obras donde los personajes femeninos estaban subordinados a los masculinos. Las actrices no encontraban trabajo y/o no se sentían representadas en los papeles que conseguían. La creación propia se abrió como un camino posible para las mujeres pero no consiguieron distribuir sus producciones dentro del circuito cultural profesional. Una vez más, las mujeres pierden voz y, por tanto, subjetividad.

En el año 2007 del siglo XXI parece que es la fecha señalada como inicio de la dicha compañera de viaje que se nos ha pegado a las costillas y el corazón y se resiste a dejarnos: La crisis. En este contexto, el sector empresarial escénico catalán afronta el descenso en la contratación de obras produciendo piezas que vuelven a la estereotipia existente antes de los años 80, atendiendo a supuestas razones de distribución o, lo que es lo mismo, las leyes del intento desesperado de “vender bolos”. Las mujeres prácticamente desaparecemos de la escena profesional mientras aumenta el número en las filas amateur, en tareas bien diferenciadas que van desde la escritura, la interpretación y la dirección. Desaparece la figura de gestión y producción ya que no son obras destinadas a la explotación económica. Las ideas sobre las que se construye la definición simbólica del modelo femenino retornan al androcentrismo y a la misoginia a través de la estructura empresarial.

Hablamos, pues, de una involución en el modelo femenino normalizado a las artes escénicas profesionales, una vuelta al androcentrismo como medida de todas las cosas. Las mujeres identifican y denuncian este paradigma ideológico que las desprecia y, en muchos casos, las deja sin trabajo.

¿Puede ser ésta una respuesta a la pregunta que nos hacíamos al principio de esta artículo?

Ricard Gázquez en “Presencia y ausencia de creadoras escénicas” (DDAA 2013: 75) dice que “La perspectiva sobre el futuro más inmediato de las políticas teatrales resulta incierta desde todos los ángulos. No debemos perder de vista que, desde el plan estratégico de cultura de la Generalitat de Catalunya, el futuro está enfocado en términos de eficiencia y competitividad empresarial, porque el objetivo principal, por encima de todo, es superar el momento de crisis económica actual, todo reconocimiento dentro de su diagnóstico que el modelo del estado del bienestar ha quebrado “.

Como dicen las feministas, cuando todo está por hacer las mujeres somos requeridas y, cuando se generan estructuras, se nos pide que volvamos a casa. La historia nos lo demuestra una y mil veces como si fuera una elipsis hipnótica que no permite el cambio.

Recuperando Silvia Federici (FEDERICI 1998) cuando habla de las razones del capital que llevan las mujeres al cadalsos sin ningún tipo de piedad: ““La caza de brujas de los siglos XVI y XVII fue instigada por el capitalismo emergente. La masiva quema de mujeres tuvo más que ver con su condición de estorbo, de figuras que no encajaban en la nueva economía, que con su habilidad para cocinar pócimas y hablar con el diablo en sus ratos libres. El capitalismo nació recurriendo a la violencia extrema. La caza quebró las resistencias a la reestructuración económica (…). Desarrollo de una nueva división sexual del trabajo que confinó las mujeres al trabajo reproductivo. La invención del trabajo asalariado provoca que las mujeres se queden a casa.”

Y es que, no nos engañemos, las artes escénicas, como constructos culturales, siempre las tenemos que entender en un contexto ideológico, político y económico. Hablar de modelo femenino es apelar a la definición fruto de una interpretación simbólica de un colectivo de personas a partir de un ideario concreto. La concepción resultante sitúa en el espacio público y el privado el colectivo definido, y fija sus posibilidades en todos los campos…. ¿Este era el objetivo?

Ya lo veo, el paradigma del que partimos y que aún se mantiene no se puede definir, precisamente, como igualitario. Las mujeres todavía no tenemos voz propia dentro de este contexto. María José Ragué (1994) asegura que “la mujer puede tratar cualquier tema que esté en su contexto sociocultural, pero ni su literatura ni su teatro pueden ser representativos de su identidad como mujer, si antes no ha podido investigar sobre esta identidad a partir de su experiencia personal“.

Una de las problemáticas que refieren las profesionales de la escena es la dificultad para representarse dentro de las artes escénicas. Los modelos culturales al alcance dibujan la feminidad, o bien como marca inequívoca de sumisión y de sometimiento o de perversión, sexualización y maldad. Los modelos de la feminidad real en las artes escénicas están por hacer y lo que queda ahora, entre los estereotipos androcéntricos y las necesidades de las mujeres, es un mar de dudas. Ante esta circunstancia puedo entender que las protagonistas aseguren que la creación propia ha sido el único camino para poderse significar dentro de los lenguajes artísticos. Es perverso comprobar cómo, al final, parece que la creación con firma femenina responde a un intento de salvar la vida. Pasar de ser objeto pasivo de la realidad a sujeto activo.

El viejo paradigma de la subjetividad/objetividad, sin embargo, tiene una trampa implícita. Subjetividad, en mi opinión, no es hablar sólo de una misma sino ser productora de sentido, ser capaz de interpretar la realidad como sujeto. Y para poder hacerlo hay que estar incluida en esta realidad… Por tanto, estaría de acuerdo con aquellas autoras que consideran que hay que construir una subjetividad femenina y tomar posiciones. La pregunta es, ¿cómo se puede crear sobre algo que no somos y apropiarnos de un discurso que no es nuestro? Las mujeres hemos aprendido, incluso, a reír y de qué reír. Hemos adoptado las características definitorias de un modelo que ha sido construido desde la masculinidad.

La estructura social y sus representaciones simbólicas han tocado techo en un ranking de despropósitos hacia las mujeres que se esparcen y podemos reconocer a todos los productos culturales, y las artes escénicas no son una excepción. Vale A. Walsh (a DEEPWEEL 1995) asegura que la presencia de las mujeres y su diversidad es un reto para la feminidad ficticia producida dentro de los discursos machistas. Pero no debe ser una presencia pasiva sino que se asiente sobre la base de la reflexión crítica y el conocimiento para poder averiguar, como dice June Jordan (1975), qué es lo que nos han hecho aceptar mediante el soborno y por qué cosas que no hemos hecho hemos sido recompensadas. El arte es un proceso relacionado con el resto de procesos históricos y sociales. La ideología sexual androcéntrica que invade el terreno artístico es muy difícil de descubrir pero es potente y reduce los problemas sociales en puros problemas personales de las mujeres y su creatividad. Françoise Collin (a Borrâs 1998) asegura que si no hay un cambio en la estructura simbólica no se puede dar una transformación en las relaciones sociales.

Ragué asegura que las obras igualitarias son aquellas que permiten a sus mujeres el acto de hablar por sí mismas como sujetos. Los personajes femeninos, de este modo, dejan de ser el objeto del deseo de los personajes masculinos, es decir, tienen independencia de pensamiento. La autora asegura que las actrices que interpretan estos personajes también pierden su condición de objeto tanto ante sus antagonistas masculinos en la obra como por el público. Se genera, pues, un nuevo marco simbólico y referencial en el que las mujeres somos incluidas en condiciones de igualdad. Existimos.

Este no es un camino fácil. Considerarlo sencillo sería como aceptar que todo el colectivo femenino ha abdicado de la capacidad de pensar y reivindicarse. Las consecuencias, lo vemos, son devastadoras y más si tenemos en cuenta que como indica María José Ragué (1994: 46) “las autoras tratan de no poner demasiado de manifiesto su condición femenina. Ya no se habla de feminismo, se habla poco de mujer y teatro, se quiere hacer ver que la discriminación ya no existe. Es una manera de actuar para hacer posible la incorporación de la mujer, como autora y directora, en un mundo, el del teatro, esencialmente masculino: mujer y teatro la voz rota de la falsa normalidad… La transgresión no va más allá porque casi siempre el modelo que utiliza la mujer es un modelo existente: las mujeres están hipotecadas a menudo por las mismas categorías históricas que quieren trascender. Por otra parte, la mayoría de las mujeres que han llegado a la profesión a menudo intentan eliminar la especificidad femenina en su trabajo para no tener problemas con los gestores de la profesión. Es la fase de imitación en que la mujer, consciente o inconscientemente, adopta una perspectiva desde la que crea unas situaciones en las que se siguen los modelos tradicionales “.

Parece que el público, quien recibe el mensaje y provoca retroalimentación, tiene respuestas diferentes ante los intentos de incluir a las mujeres en la escena. Las creadoras obstinadas que continúan intentando la proeza hablan de sorpresa, de humor, de desinterés… términos variados que cohabitan con la percepción de que abordar temáticas que afectan a las mujeres no interesa mucho al público, aunque sabemos que mayoritariamente es femenino. La sensación, que a veces llega a convencimiento, es que temas que las mujeres tenemos muy presentes no pueden ser universales y, por tanto, se mantienen en la marginalidad y el ostracismo de cajones llenos de ideas que se van marchitando. Pocas son las obras de autoras que ven las luces de escena. Aunque, ojo, las estadísticas nos susurran que las producciones y obras que deconstruyen los estereotipos son más abundantes de lo que parece pero no trascienden. ¿Podemos hablar de voluntad política? En las estadísticas presentadas por la Asociación de Creadoras Escénicas de Cataluña, Proyecto Vaca, que se pueden consultar en la página web de este colectivo, vemos de manera clara y contundente como en los territorios en los que las administraciones apuestan por la igualdad real entre los sexos, las mujeres aparecen en todas las fases de producción de las artes escénicas a nivel profesional, como es el caso de Euskadi.

Desde el Observatorio Cultural de Género, Cabré nos advierte que “En justa correspondencia, a las mujeres todavía se les veda el acceso pleno como creadoras de cultura, y por eso es muy lamentable que no siempre encuentren en los contenidos donde asoman el espejo que se merecerían encontrar, no ya por su calidad, sino por la infrarrepresentación que a menudo hay de voces femeninas con las que pueda practicar la tan necesaria identificación, que en última instancia es la que termina incitando a practicar el consumo cultural: la cultura nos interpela cuando habla de nosotros, sea como sea. La incorporación tardía y traumática de las mujeres en la esfera pública las ha revelado como el que se ha llamado un contrapúblico, entendiendo como tal aquel que choca con las normas de su entorno y se define en su tensión con un público más grande (en este caso no en número pero sí en importancia social, el público masculino)⌈2⌋ “.

No sé si se podría formular una argumentación diferente de la que parece frecuente en cualquier otro ámbito de la realidad laboral de las mujeres, con respecto al tema de la maternidad. El mundo artístico es un sector muy desestructurado en nuestro país. Quedarse en la intemperie es el pan nuestro de cada día en una profesión que todavía arrastra etiquetas de bohemia e inadaptación social. Al margen de la marginalidad encontramos a las mujeres y, como en la mayoría de los sectores profesionales, la maternidad se convierte en un techo de cristal irrompible. Si en 2014 el Gobierno Español ha incluido en el PIB el dinero proveniente de la prostitución y el tráfico de drogas, actividades ilegales, todavía no lo ha hecho con el trabajo no remunerado que las mujeres hacemos dentro de los hogares y en la crianza.

Y ahora lo que tenemos es el presente, y lo que podemos empezar a dibujar es el futuro. Y estamos hablando de un presente de retroceso, de involución, de tristeza, de vuelta a modelos que creíamos superados. Unas percepciones que coinciden con artistas y creadoras de otras localizaciones. Magda Puyo, en su intervención recogida en “Presencia y ausencia de las creadoras escénicas dentro del sistema teatral contemporáneo en Cataluña” de Ricard Gázquez (DAA 2013: 82) afirma que “los formatos han homogeneizado en detrimento de las artes escénicas más indagatorias. Esto hace mucho daño a la cultura de este país, que vive una falsa realidad: de número de espectadores, de cantidad de textos escritos, de actores famosos televisivos, de cantidad de producciones. Cantidad, cantidad, cantidad… (¿y la calidad y el compromiso y la subversión y las formas contradictorias y la diversidad y el arte como herramienta de conocimiento? … En definitiva, la realidad es del poder absoluto del pensamiento único (…). Sólo sería posible desestructurar el discurso dominante si nos unimos para encontrar nuevas estrategias y denunciamos esta falsa realidad donde nos encontramos. Y, en este sentido, pienso que las mujeres de teatro tenemos una responsabilidad y una gran posibilidad de exigir lugares reales de decisión para empezar a cambiar un modelo muerto y enterrado (basta recordar la remontada protagonizada por las mujeres en Islandia). Es un buen momento, es lo que tienen las crisis, que son momentos de cambio “.

En el año 2014 tuvo lugar la publicación del primer estudio internacional sobre imágenes de género en el cine promocionado por El Instituto Geena Davis sobre Género en Medios, ONU Mujeres y la Fundación Rockefeller y firmado por la Dra. Stacy L. Smith, Marc Choueiti y la Dra. Katherine Pieper. Entre muchas otras ideas, el estudio pone de relieve que, a nivel internacional, en las producciones cinematográficas sólo el 30, 9 por ciento de los personajes con diálogo son mujeres; las mujeres hacen el 7 por ciento de las direcciones, el 19,7 por ciento de los guiones y el 22,7 de las producciones; las películas dirigidas por una mujer o con presencia de una guionista tienen un número significativamente más alto de personajes femeninos; la sexualización parece ser la norma para los personajes femeninos a nivel internacional, por lo que, normalmente, aparecerán con ropa interior, desnudas, delgadas. Esta sexualización, según el estudio, se produce ya desde la adolescencia y hasta los 40 años, edad en que las mujeres comienzan a desaparecer. Finalmente, apunta el estudio que en los puestos de poder sólo el 13,9 son mujeres.

Interpelo a Hélène Cixous (BARTRINA 1997) cuando habla de la obligación de reflexionar sobre cuáles son las mujeres representadas, cuál es la relación entre actriz y espectadora y dónde están los límites de la identidad colectiva femenina sobre el poder del contenido y la estructura del texto dramático para deconstruir posiciones de género. Las mujeres hemos aprendido a significarse en un mundo con el que poco tenemos que ver y hemos olvidado nuestro imaginario, y encima nos hemos acostumbrado a que sea así. ¿Cuál es la relación, me planteo, entre la intérprete, la espectadora y la mujer?

El objetivo último sería hacer unas artes escénicas, y unas producciones artísticas en general, a partir de las personas, independientemente del género, por lo que es necesario, antes, permitir que las mujeres seamos sujeto y no sólo objeto de arte.

¿Podremos, algún día, construir una definición clara de “arte de género”, “arte de mujeres” y “arte feminista”? ¿Nos puede ayudar a centrar el debate? ¿Nos puede ayudar a aumentar nuestra conciencia sobre lo que estamos haciendo y sus consecuencias? En todo caso, el trabalenguas en el intento de diferenciar estos conceptos no deja de ser una muestra clara de que la niebla leridana también mezcla los conceptos que nos define. ¿Lo seguiremos permitiendo?

Es evidente que los textos, obras libretos y piezas ya creadas y consagradas son lo que son, pero eso no impide que las consideremos en el contexto ideológico que les corresponde e identifiquemos su carga de misoginia. Es hora, sin embargo, de considerar la importancia de las nuevas creaciones, de reconocer la gran cantidad de firmas femeninas que quedan en los cajones o en los estantes de las bibliotecas sin que lleguen a los espacios escénicos ni al gran público, obras que parten de la reflexión y apuestan por dar vida a personajes que no se basen en los estereotipos a los que nos tienen acostumbradas sino en miradas realistas y con el convencimiento de que los personajes femeninos pueden y deben ser motores de acción.

Creo que no haré la colección. Creo que necesito la energía para seguir luchando por qué, si hasta ahora los actos heroicos de las mujeres se concretaban en la desaparición y el suicidio, ha llegado la hora de dejar que la “loca de la casa” se pasee por la calle de pleno derecho y aporte todo lo que tiene, todo lo que sabe y todo lo que es. Ya no basta con habitaciones propias, queremos todo el espacio. Nos lo debemos.

⌈1⌋ Término de origen alemán que se utiliza para clasificar un tipo de arte que se considera una copia inferior de un estilo existente. También se utiliza para referirse a cualquier tipo de arte pretencioso y que cae en el mal gusto y/o productos muy comerciales que se consideran vulgares.

⌈2⌋ Documento disponible en la publicación digital del Observatorio Cultural de Género observatoricultural.blogspot.com.es

 

Bibliografía referenciada:

– BARTRINA, F. (1997): “Teatro de Mujer alrededor del siglo: la Infanticida de Caterina Albert” en Lectora 3

– BORRÁS, L. (ed. 8) (1999): Utopías del Relato Escénico. Fundación Autor. Madrid.

– DDAA, edición Jordi Lladó y Jordi Vilaró (2013): Mujer y Teatro en el siglo XXI. IV Jornadas de debate sobre el repertorio teatral catalán. Punctum. Barcelona

– DEEPWELL, K. (ed.) (1995): Nueva crítica feminista de arte. Estratégias críticas. Ed Cátedra. Col. Feminismos. Madrid.

– Federico, S. (1998): Caliban y la bruja. Ed Traficantes de sueños. Italia

– JORDAN, June (1975): Moving Towards Hombre.

– Ragué, M.J. (1994): Mujer y teatro: aquí y ahora. Col • Colección Mujer y Sociedad. Testigos 3 Instituto Catalán de las Mujeres. Generalidad de Cataluña. Barcelona.

– Ojer, M (2000): Las edades del Violeta. Audiovisual. Sectorial de la Mujer de ICV en Lleida

– Ojer, M (2002): Movimiento de las mujeres en Lleida 1972 hasta 2007: “si me dices ven, lo dejo todo”. II Beca de Investigación Cristina de Pizan 2007. Ayuntamiento de Lleida

– Ojer, M (2011): Valores a escena. Teatro no sexista para todos los públicos, teatro para todos los públicos no sexista. Trabajo de Fin de Máster MAIO. Centro Dolores Piera. Universidad de Lleida

– Ojer, M (2014): Evolución del modelo femenino en las artes escénicas en Lleida: 1980-2014. Beca de Investigación Cristina de Pizan 2014. Ayuntamiento de Lleida

Lunes, 5 de Octubre de 2015

 

Arga Sentís

Concejala del Ayuntamiento de Tarragona

 

 

 

¿Os suena la pregunta? A mí me la han hecho varias veces. La he oído también en encuentros de amigos y, una vez formulada, comienza una discusión entre los partidarios de recortar primero en educación (¿que puede haber más importante que la salud?) O los que creen que la educación no se puede tocar, que es la base de la sociedad y que cualquier otra cosa antes que recortarla.

Unos y otros defienden su postura con convicción, con argumentos. Quizás incluso son capaces de llegar a un acuerdo: no se puede recortar ni en sanidad ni en educación, la sanidad y la educación son derechos, que recorten en otras cosas, cosas que no sean fundamentales, que realmente sean prescindibles… y entre las cosas prescindibles, ya sea explícitamente, ya sea porque se olvidan de incluirla entre las imprescindibles, está la cultura.

De entrada, el hecho mismo de que se pueda hacer esta pregunta, que te propongan “elegir” qué es recortable, ya es todo un síntoma, porque que se haya aceptado como inevitable la lógica de los recortes está evidenciando que el neoliberalismo, los partidarios en recortar gasto público, han conseguido la hegemonía cultural, y sus valores y explicaciones, que responden a sus intereses, se han convertido en la norma universal que fija las condiciones a partir de las cuales se articula el pensamiento.

Pero más allá de esta cuestión de fondo, creo que plantea también otros temas, para empezar, qué entendemos por cultura.

Todos sabemos a qué nos referimos cuando hablamos de sanidad o de educación (aunque no compartimos propuestas políticas) y es a partir de este concepto claro que sabemos lo que nos jugamos y los que reivindicamos una sociedad de personas iguales defendemos la sanidad y la educación como derechos, sin matices y, por tanto, la necesidad de políticas públicas que los garanticen.

En cambio, tendremos que reconocer que definir cultura es mucho más complicado, porque el concepto tiene muchas acepciones y lecturas que se prestan a interpretaciones subjetivas y malentendidos, y a partir de estas definiciones extensas es muy difícil acotar el objeto de intervención de las políticas culturales y su justificación.

Todos sabemos lo que perdemos cuando cierran una planta de hospital o suprimen programas de educación, pero es más difícil ser conscientes de qué dejamos de tener cuando una biblioteca se queda sin presupuesto o cuando el IVA cultural se sube al 21%. Algo falla y algo habremos hecho mal. Y es que a menudo la política cultural ha sido un instrumento de propaganda o una construcción de la élite para el consumo de una minoría, y muchos discursos que la reivindican insisten en su papel instrumental (cultura como instrumento económico, que lo es, cultura como instrumento para muchas cosas) y no en lo básico, esencial. Para empezar, de qué estamos hablando, de qué concepto de cultura de entre todas las definiciones posibles. Reivindicar la cultura como fuente de libertad, expresión y creación, la cultura como derecho. Derecho al conocimiento, al desarrollo pleno de las potencialidades de cada uno. Derecho a participar, crear y disfrutar de la cultura. Un derecho que implica la necesidad de políticas públicas para garantizarlo. Y cultura como instrumento, sí, de muchas cosas, pero en primer lugar de emancipación personal, imprescindible para conquistar espacios de libertad, para construir un discurso crítico que permita ejercer plenamente la ciudadanía, que es justamente lo contrario de cultura instrumentalizada.

Habrá que hacer memoria y recordar el papel que aquí mismo, en nuestro país, tuvieron los ateneos populares para el empoderamiento de las clases trabajadoras y para la extensión de las ideas de progreso social. Por eso justamente ahora, en un contexto de crisis, es más necesario que nunca defender la centralidad de la cultura y articular unas políticas culturales que superen el vacío y el enfoque mercantilista y errático que las han caracterizado los últimos tiempos, unas políticas culturales que garanticen el acceso a la cultura y faciliten la creación. Porque la cultura es un derecho. Y porque crea ciudadanos con capacidad de interpretar, de criticar, de intervenir y transformar, capaces de disputar la hegemonía cultural y hacer que la pregunta con la que comenzaba sea impensable, porque los derechos no se pueden recortar, ninguno.

Lunes, 5 de Octubre de 2015

 

Ana María Vallejo Cimarra

Unión Sindical CCOO Castilla León

 

 

 

La intensa crisis que viene afectando a nuestro país desde hace años no está siendo una mera crisis económica, sino que esta desarticulando otros aspectos fundamentales de nuestra sociedad. Ya es normal oír hablar frecuentemente del intenso retroceso  en valores y en derechos, en participación y democracia, y por supuesto como no podía ser de otra manera un intenso retroceso del papel de la cultura en nuestra sociedad;  con ello no queremos referirnos, en exclusiva, a la creación y producción, sino a la falta de apoyos y ayudas públicas o la existencia de una política cultural clara y definida, defendida desde las administraciones públicas.

Lo primero que tendremos que analizar es cuál ha sido el papel del estado central y las administraciones autonómicas y municipales en cuanto a política cultural en los últimos años, así podremos observar un descenso drástico de la financiación en este sentido. La cultura se ha quedado en nada sin que se materialicen alternativas de mecenazgo y financiación.

Según el estudio España: la cultura en tiempo de crisis (E. Bustamante), entre 2008 y 2011 la tónica general en Europa ha sido la de aplicar severos recortes en el gasto público destinado a cultura (desde el 7% de Reino Unido o Irlanda hasta el 16,7% de Italia o 22% de Grecia), pero en ningún caso se ha alcanzado el nivel de nuestro país donde el descenso real entre 2009 y 2013 superaría el 50%.

Con este escandaloso descenso, se hace necesario, más que nunca, un debate profundo sobre el papel de la cultura en la sociedad actual, reconociendo su importancia, abordando el tema desde su doble perspectiva: como un derecho reconocido al que debemos garantizar su acceso y  como  un recurso económico. Y, al mismo tiempo, resaltar la legitimidad del Estado para actuar en este campo a través de las políticas públicas y la recuperación de su papel dinamizador.

El pasado año, desde nuestro Ateneo Cultural “Jesús Pereda”, en colaboración con la Universidad de Valladolid, impulsamos unas jornadas de debate respecto a este tema, que bajo el título “Cultura de la crisis y crisis de la cultura”,  desgranaron día a día la situación de cada uno de los sectores culturales. Entre las conclusiones que de allí se sacaron podemos resaltar la idea fundamental de que si bien la cultura no va a desaparecer, sí es cierto que está pasando por uno de sus peores momentos. Uno de los peligros más importantes que podemos correr es la pérdida de diversidad cultural y, con ello, la calidad de la democracia. No podemos olvidar que para una organización como CCOO la cultura no es algo aséptico, sino generadora de avance social y de pensamiento crítico.

Con respecto a las políticas culturales podemos señalar lo comentado por el profesor E. Bustamante sobre las dos líneas de actuación a tener en cuenta; por un lado las encaminadas a proteger la diversidad cultural de la sociedad española como elemento de inclusión social y de participación  democrática y, por otro, las dirigidas al fomento de las industrias culturales de nuestro país. En este sentido, se debería llevar a cabo un plan estratégico a medio y largo plazo que garantizara el acceso a la cultura así como la diversidad de ésta. Para ello sería conveniente crear un organismo autónomo (podría ser un observatorio o departamento ministerial), pero pactado y consensuado entre los distintos partidos y agentes sociales, que gestionara las subvenciones estatales con criterios de calidad, sin dirigismos y que liderara el apoyo a los creadores y redes sociales. Igualmente se debería llevar a cabo otro plan de fomento de la industria cultural (dirigido a las PYMES sobre todo) de nuestro país que la consolidara, por un lado, y que por otro asegurara su internacionalización.

Son muchas y variadas las actuaciones que se pueden definir de  cara a ayudar, dignificar e impulsar la cultura de nuestro país, tan sólo reflejaremos algunas que a nuestro criterio son básicas:

• Es necesario conseguir reducir el IVA cultural, no podemos olvidar que tenemos el tipo impositivo más alto de Europa con gran diferencia.
• Una defensa de la excepción cultural del Estado Español (al igual que hacen otros países como Francia o Reino Unido) en las negociaciones internacionales.
• Una ley de mecenazgo cultural que atienda a las necesidades de las pequeñas industrias culturales.
• Promover la cultura desde la base, dando la importancia que se merece a cada una de las disciplinas artísticas en todos los niveles educativos.
• Promover una cultura más participativa, contando con las diferentes asociaciones y organizaciones culturales junto con los agentes sociales, para el diseño y promoción de las políticas culturales institucionales, fomentando y dando especial cabida a las expresiones culturales locales y autóctonas.

En definitiva, como organización sindical de carácter marcadamente social que somos, no podemos quedarnos quietos ante esta situación, debemos reclamar ante las diferentes administraciones políticas culturales efectivas y democráticas, alejadas de dirigismos e intereses partidistas. Pero a la vez, en el seno de nuestra organización, debemos reclamar un posicionamiento claro en esta materia, abrir el debate de la política cultural y dotarnos de argumentos claros y contundentes al respecto. Sólo así  lograremos una sociedad más participativa, crítica y comprometida.

Lunes, 5 de Octubre de 2015

 

Rosa Sans

Directora Fundación Cipriano García – CCOO de Cataluña

 

 

 

¿De qué hablamos cuando hablamos de cultura? La cultura es la formación de la conciencia, la educación en valores del ser humano. Debe propiciar una ciudadanía crítica con capacidad de interpretar e intervenir activamente en la construcción de su futuro. Por ello, no es extraño que situar el tema de la cultura sea bastante controvertido.

La sociedad del siglo XXI debe afrontar una grave crisis del sistema vigente, las políticas neoliberales basadas en reducir los salarios, la actuación del estado, del gasto social y de los impuestos progresivos para favorecer a las rentas del capital ha producido un grado de pobreza y desigualdad creciente. El dinero, las finanzas, el poder del mercado sin control político, ha favorecido como nunca la irracionalidad de una economía al servicio de los privilegiados. También han desacreditado el ejercicio de la política como herramienta ciudadana para organizar la convivencia y el futuro. En esta situación, está claro que los poderosos utilizan unos valores culturales marcados por el individualismo, el éxito, el consumo irresponsable para difuminar la creación de una conciencia crítica.

Es por ello que esta crisis económica que sufrimos es también una crisis cultural y de valores. Para la construcción de una alternativa al modelo neoliberal que nos han querido imponer debemos recuperar el valor de la cultura. Es imprescindible hacerlo para contribuir a dar una respuesta progresista a la crisis.

La lucha contra las desigualdades, la garantía de un trabajo decente, con salarios dignos y derechos laborales son imprescindibles para realizar un cambio de modelo económico que, además de ser sostenible, permita acceder a una vida digna a las personas. Imprescindible es llevar adelante una reforma fiscal justa y solidaria que garantice la equidad y la solidaridad para dar cobertura a los derechos sociales que el movimiento obrero ha conquistado y consolidado por la ciudadanía: educación, sanidad, pensiones.

Para el sindicato, el aumento de la calidad de vida de la clase trabajadora que representa debe contemplar la garantía de acceso a la cultura y el derecho a la participación en la vida cultural. La cultura es un derecho básico de ciudadanía, es un pilar básico del bienestar y un factor fundamental de la cohesión social. Las políticas públicas son las que deben garantizar tanto el acceso a la cultura como la posibilidad de expresividad, la creación.

Los gobiernos de derechas son bien conscientes de la función social de la cultura. El PP y CiU han aplicado unas políticas públicas que van en la línea de potenciar una concepción de la cultura que reproduzca los valores del triunfo personal, del individualismo, de la recepción acrítica de contenidos. Han tomado medidas agresivas como el aumento del IVA cultural, han priorizado las inversiones en espectáculos, en la gestión de grandes eventos, enfocados como entretenimiento.

Además, en la gestión de los grandes centros culturales públicos, muchas veces se han externalizado servicios a empresas subcontratadas, lo que ha supuesto una baja de las condiciones laborales; lo que importa es el negocio más que la calidad del servicio.

Han descuidado las políticas públicas de proximidad, la potenciación de espacios de creación en nuestras barrios y ciudades, en colaboración con entidades, movimientos culturales populares, fomentando la creatividad y la expresión popular, garantizando el acceso a la cultura y a su producción. Crear un entorno favorable a la actividad cultural que garantice la diversidad y pluralidad de las expresiones culturales.

Se han de impulsar otras políticas que contemplen un nuevo modelo de gestión de las entidades culturales públicas, que asegure los derechos de los trabajadores y trabajadoras de la cultura y los derechos culturales de la ciudadanía.

Se debe proteger e impulsar el sector creativo y productivo de la cultura, porque al mismo tiempo como sector económico puede aportar otras maneras de salir de la crisis.

Más que nunca, la cultura tiene un papel central, controvertido en el desarrollo de una sociedad más igualitaria, más justa y libre.

La cultura, más que nunca, debe estar presente en la cotidianidad del sindicalismo, “como el aire que exigimos 13 veces por minuto”.

Lunes, 5 de Octubre de 2015

 

Cristina Bermejo Toro

Secretaria General Sector de Medios de Comunicación, Artes, Cultura y Deporte de la FSC-CCOO

 

 

Mucho se ha hablado en la última etapa del empobrecimiento económico que ha sufrido la población ante el paro, los recortes en servicios públicos, la precariedad laboral y un largo etcétera como resultado de este crack profundo que ha sacudido los cimientos de la vieja y apacible Europa del bienestar.

Sin embargo, no se ha reflexionado tanto del impacto que la recesión económica ha tenido en otros sectores que no se encuentran entre los que podríamos llamar de “primera necesidad”, como es el caso del mundo de la cultura, pero que suponen otro tipo de empobrecimiento, el de las ideas, el pensamiento y, en definitiva, los que generan la opinión pública. Si bien es cierto que ha sido una constante la denuncia del deterioro paulatino de la educación en España, no se ha hecho quizá suficiente hincapié en el daño sufrido por las industrias culturales que forman, junto con el sistema educativo, a nuestra población.

Así, en los últimos 5 años nuestro país se ha convertido en un cementerio de salas de cine y locales de teatro, que  han tenido que echar el cierre. Solo en Madrid se han cerrado más de 50 salas en los últimos años. Diversos han sido los factores, pero en general su denominador común ha sido lo que podríamos denominar una política “contra- cultural”. En primer lugar se produjo en 2012 una vertiginosa escalada del IVA, un impuesto que pasó del 8% al 21% (al contrario de lo que ocurre en países como Francia, donde lo han reducido del 9 al 5%), lo que hundió la recaudación en todo el sector de la industria cultural. En paralelo se suprimieron cuantiosas subvenciones, desde las ayudas a la producción cinematográfica o teatral hasta la falta de inversión pública para cambios tecnológicos (la necesaria y costosa digitalización de los cines, por ejemplo). Mientras la industria privada se quejaba de una excesiva presión fiscal y de falta de apoyo financiero a través del Ministerio o de las entidades oficiales de crédito, las instituciones públicas relacionadas con el mundo de la cultura no han tenido mejor suerte. Buen ejemplo de ello han sido las sonoras movilizaciones promovidas por los trabajadores en el Palau de las Arts de Valencia, el Coro Nacional de España, el Liceu de Barcelona, las orquestas de sinfónicas de Sevilla o Palma, entre otros muchos, donde los recortes se han traducido en expedientes de regulación de empleo y empeoramiento absoluto de las condiciones de trabajo y han puesto de relieve el abandono de las administraciones hacia la música y la cultura.

Si vamos a examinar quienes han de ser garantes del acervo cultural de nuestro país, no debemos olvidar el papel que juegan los medios de comunicación, quienes tienen entre sus principales misiones la de difundir las diferentes manifestaciones culturales y lingüísticas. La ley exige a los medios públicos una programación como servicio público esencial, siendo vehículo primordial para la comunicación pública libre, la información y la participación de la ciudadanía, para la formación de opinión en libertad y el respeto a las minorías, la cooperación con el sistema educativo y la difusión cultural.

Sin embargo, a pesar de estas exigencias con rango de ley, lo cierto es que la realidad de la radiotelevisión pública en España es la carencia de medios que garanticen la independencia informativa, que entretengan y eduquen a la población, tareas que evidentemente tampoco tienen encomendadas las cadenas privadas, quienes no parecen creer que también prestan un “servicio público”. De este modo y, en pro de una privatización encubierta como fuentes de negocio, se ha ido abandonando la financiación de las cadenas públicas bajo el argumento de la necesidad de invertir en otros servicios de primera necesidad: sanidad, educación… una posición demagógica y absolutamente falaz de algunas administraciones para justificar brutales expedientes de regulación de empleo, precariedad de las condiciones laborales, cierre de canales y, en definitiva, poner en peligro la calidad de un servicio público que priva a la ciudadanía de información plural y veraz, de entretenimiento y de educación.

En el ámbito de las empresas culturales, los recortes presupuestarios no sólo han conllevado cierres y despidos y una devaluación notable de la calidad en el empleo, sino que la limitación de la oferta y los recursos están condenando a la población a un empobrecimiento cultural, con ausencia del pensamiento crítico y con una generalización del entretenimiento banal y mediocre. La nueva imposición fiscal (IVA cultural) impone una clara diferenciación social entre una ciudadanía elitista con mayor poder adquisitivo frente a quienes no pueden asumir el sobrecoste de una entrada para cualquier evento cultural y a quienes se destina una cultura de masas alienante. En este punto es donde la radiotelevisión pública debería poder contrarrestar esas carencias que se están produciendo en las artes escénicas y plásticas, la música y el cine, evitando que solo acceda a la cultura quien puede pagarla.

Como conclusión debemos afirmar que es tarea del Estado y las administraciones autonómicas y locales garantizar el acceso a la información, la cultura y el entretenimiento a través de una oferta audiovisual  diversa, gratuita y de calidad, que permita visualizar los diferentes colectivos sociales y que recoja las preferencias de todos los públicos. Asimismo, como venimos insistiendo desde CCOO, es crucial  defender y prestigiar el servicio público de radiotelevisión, independientemente del carácter público, privado o mixto de su titularidad y gestión.

La crisis económica no puede servir de excusa para no trasladar a la ciudadanía la importancia de preservar el derecho constitucional a recibir una información veraz, independiente  y plural. Un derecho que incide directamente en la educación y la creación de opinión de la población. Como tampoco el hecho de mantener y fomentar la oferta cultural en las salas de teatro, cine, música o danza, con producciones culturales que fortalezcan la cultura popular y la calidad de la democracia.

Los trabajadores y trabajadoras de estos ámbitos nos hemos movilizado en defensa de estos servicios públicos no sólo por la pérdida de derechos laborales, sino bajo la firme creencia del carácter esencial de la cultura y la educación. Es ahora la ciudadanía quien ha de tomar conciencia y exigir el acceso a aquellos servicios públicos que le han sido arrebatados y/o diezmados.

Lunes, 5 de octubre de 2015